Стили живописи, жанры и виды — это три разных вещи. Если коротко и тезисно, то отличия следующие:
Стиль — это то, как изображено, другими словами, это уникальный и характерный почерк целой эпохи художников (Ренессанс, Маньеризм, Барокко и т.д.)
Жанр — это, что изображено, другими словами — сюжет произведения (натюрморт, батальный жанр, исторический жанр, портрет, и т.д.)
Вид — сам формат изображения, другими словами, картина маслом на холсте и граффити на стене, это и то и другое — живопись, но, разных видов.
В этой статье мы рассматриваем только стили живописи и приводим их в хронологическом порядке их появления на свет.
В Средние века наследие античности было частично или полностью утеряно. Церковь еще и запрещала рисовать светские сюжеты — только иконы, только божественные образы. Однако все-таки в готическом направлении появлялись изображения и на бытовую тематику. Особенно интересны витражи, которых было много до XVI века.
Также художники иллюстрировали религиозные тексты — часословы, Библию, псалтыри. Впервые за много сотен лет художники решились выражать себя и вносить что-то отличное от уже устаревших антично-византийских канонов. Одним из ярких представителей эпохи был Ян ван Эйк, который рисовал вполне реалистично даже по современным меркам. Готика — самый первый из появившихся на свет стилей живописи.
От искаженного Persona — личность. Этот стиль живописи существовал в русской культуре живописи примерно до XVIII века. Он прямой наследник иконописи, но при этом в жанре парсуна рисовали уже не святых, а реальных людей — например, царей.
Переход от готического и иконописного жанра к Ренессансу. Появляется больше оттенков, цвета богаче, фигуры более реалистичны. Пример: Джотто.
В XIV-XVI веке бурно расцветала живопись. Впервые за многие сотни лет наконец-то художникам разрешили рисовать не только иконы, но и «настоящих людей». Это проявилось в моде на светские сюжеты, на интерес к повседневным и бытовым сценам. Вместе с тем, стиль живописи Ренессанс — или же в переводе на русский «Возрождение» назван так неслучайно. Великие художники своего времени — Рафаэль, Тициан, Боттичелли и, конечно же, Леонардо да Винчи следовали традициям античного искусства. Увы, если еще скульптура как-то сохранилась, то картины — практически нет… И художникам пришлось «изобретать заново» античные традиции.
С точки зрения техники, стилистика Возрождения до сих пор считается одной из самых сложных. Анатомия передается со сто процентной достоверностью — больше никаких условностей, которые были у икон. Множество деталей, объем, реалистичные цвета. Это классика в самом лучшем понимании слова. Недаром же мастера Ренессанса считаются гениями на все времена.
«Теперь все можно!» — обрадовались некоторые художники на стыке XVI-XVII веков, когда влияние церкви ослабло, и уже не повесили бы за изображение обнаженной натуры. Чем и занимались маньеристы.
Для Маньеризма характерен не только эротизм, но и избыточная композиция с яркими, насыщенными красками. Пропорции фигур вытянутые, иногда не слишком реалистичные. В свое время этот стиль живописи считался крайне скандальным. Работали в нем Якопо Понтормо, Арчимбольдо.
«Жемчужина с изъяном» или «странный» — так переводят название стиля соответственно с португальского или итальянского языка. Некоторые искусствоведы считают, что барокко — это «чрезмерный Ренессанс». В какой-то момент стилистика Возрождения стала избыточной, а некоторые черты гипертрофировались. Среди примет стиля живописи Барокко:
Барокко отличался несколько излишней декоративностью. Однако лучшие представители жанра рисовали не столько «симпатичные завитушки», сколько эмоциональность и напряжение. Ни у кого не повернется язык назвать плохими художниками Рубенса, Эль Греко, Веласкеса или Караваджо, а ведь они ярчайшие представители стиля.
Во Франции всегда не слишком-то принимали всерьез слова Церкви, зато любили жизнь. Название стиля живописи Рококо означает «ракушка» — то есть, что-то легкое и одновременно изящное. Если посмотреть на работы в этом стиле, то они всегда о том, что мир милый, красивый, все персонажи на картинах молодые и веселые. Очень много декоративных деталей. Из известных художников — Тьеполо, Буше.
Караваджизм — это стиль европейской живописи эпохи барокко, который зародился в Риме в конце XVI века, основоположником которого стал Караваджо. Он оказал значительное влияние на развитие реалистической живописи в Европе.
Караваджо был революционером в форме и иконографии. Он поменял отношение художника к окружающему миру. Основные черты караваджизма — демократизм в художественных идеалах, акцент на точное воспроизведение натуры, драматизация изображений с использованием контрастов света и тени, стремление передать осязаемую материальность предметов, использование крупных планов, монументализация жанровых сцен и бытовое толкование религиозных и мифологических сюжетов. Сам Караваджо — лучший пример этого стиля.
Еще один французский стиль, но в отличие от нежных «ракушек» — пафосный, иногда тяжеловесный. Это стиль живописи XIX века, связанный с правлением Наполеона I. Тогда в моду вошла одновременно театральность и «милитари» — поэтому ампир (от слова «Empire», «имперский) — про военные эмблемы, военные трофеи, военную символику. Часто использовали орнаменты и мифологические сюжеты.
Самый простой стиль живописи. Часто так называют работы самоучек, которые, тем не менее, могут быть интересны. Иногда в стиле Наива работали профессиональные художники, которые таким образом имитировали «простые» картины.
«Ну все, хватит крайностей», — словно кто-то сказал художникам, пускай это заняло и довольно много времени. Классицизм родился еще в XVII веке, а продержался аж до XIX, и даже само слово стало обозначать «вечные ценности». Ведь мы, когда хотим сказать о работе вне времени, говорим: «Ну, это классика!»
Вместе с тем, основная идея классицизма весьма конкретна. Философ-просветитель Рене Декарт высказал мысль о том, что искусство должно воспитывать и образовывать людей. Так что художникам надо было становиться педагогами и моральным компасом.
Главные внешние характеристики этого стиля живописи — светотень и линия, разделение пространства. Работы выглядят естественно и напоминают хорошие фотографии. Хотя лучшие мастера этого стиля, конечно, вкладывали душу и талант — и это заметно на картинах Брюллова, Каналетто, Пуссена.
А вот художники, которые работали в этом стиле, не были согласны, что искусство должно только воспитывать и образовывать. А как же эмоции? Как же любовь и ненависть, страхи и страсти?
Стиль живописи Романтизм отличается крупными уверенными мазками, насыщенными красками — часто с драматичными контрастами. Эмоции могут быть разными: от бурной стихии Айвазовского до безумных завораживающих образов Франциско Гойи.
Этот стиль живописи был ответом «холодному» классицизму, ставя во главу угла эмоции и чувства. Он был не только частью живописи, распространяясь на литературу, музыку и т.д. Сентименталисты считали, что чувства важнее радости, а художники старались тронуть душу своими произведениями. Пример: Владимир Боровиковский.
Направление конца XIX века, которое бурно развивалось и «разветвлялось» уже в веке двадцатом. Символизм провозгласил — все эксперименты достойны внимания, можно делать любые «опыты», главное, чтобы они были новаторскими и не повторяли созданное в прошлом. Примеры: Михаил Врубель.
«Искусство никому ничего не должно, кроме как точно передавать окружающий мир», — такова главная идея стиля живописи Реализм. По манере похож на классицизм, но с более мягкими красками, никакого излишнего драматизма. Обычный мир не слишком богат на яркие эмоции, однако у повседневности и «бытовых» жанров своя прелесть. Впрочем, художники понимали реализм по-разному. Достаточно сказать, что к этому стилю относят и Веласкеса, и Шишкина с Репиным.
Этот стиль живописи был прямым наследником классицизма, ориентировался на строгие каноны и классические традиции. В основе — идеализированные формы, симметрия и точность. При этом, академическим рисунком и сейчас называется то, что максимально следует «правильному» отображению человеческой анатомии, светотени, оттенков. Некоторые считают, что в XXI веке академизм в чистом виде не имеет смысла — в конце концов «как есть» все отражает фотоаппарат, но в любой художественной школе в первую очередь изучают именно академический рисунок. Примеры художников: Жан-Леон Жером, Александр Иванов.
Этот стиль живописи состоит в особой технике «по мокрому», которая появилась наряду с Импрессионизмом — принцип заключается в том, что картина создается за один сеанс, без предварительной прорисовки эскизов и наложения слоев. Техника позволяла передавать яркие впечатления «здесь и сейчас». Примеры художников: Джон Сингер Сарджент, Клод Моне.
Это особое направление немецко-австрийского романтизма, популярного в XIX веке. Он позаимствовал многое от ампира, но рисовал не полные пафоса и драматизма сцены, а более «домашние» — собственно, название переводится как «обывательский», «домашний» и даже «интимный». Художники тщательно изображали интерьеры и бытовые детали, а также природу. Примеры: Людвиг Рихтер, Карл Шпицвег.
Это реалистическое течение в итальянском изобразительном искусстве конца XIX века. Хотя сам термин впервые появился в XVII веке, изначально обозначая особое направление в Барокко — меньше декоративности, больше естественности, он обрел новую жизнь во второй половине XIX века. Так описывали натуралистичные и реалистичные картины того периода. Художники стали показывать не только людей и города, но и социальные проблемы. Примеры: Дж. Фаттори, С. Лега.
«Наследники Рафаэля» — так назывались те, кто ориентировался на Ренессанс. Но решил переосмыслить его по-новому уже в XIX веке. Как и для Возрождения, для прерафаэлитов был характерен интерес к мифологическим или религиозным сюжетам. Внешние черты — открытые цвета (работали прямо на белом грунте, краски не смешивали). Формы линейные, композиции плоскостные и декоративные, часто добавляли фоны из золота или орнаментов.
Вместе с тем, художники старались очень точно передавать основные детали. Известно, что натурщица одного из известных прерафаэлитов Джона Милле простудилась, когда лежала на воде, чтобы художник мог нарисовать Офелию.
Стиль живописи Прерафаэлиты — это про подражание, но порой с невероятным переосмыслением. Например, Святое семейство изображалось как «гнусное и уродливое» — по крайней мере, так отзывался о работе «Христос в доме родителей» сам Чарльз Диккенс.
В конце XVIII и до начала XIX идеи Декарта все еще оставались довольно влиятельными. Поэтому стиль живописи Классицизм, хотя и претерпел некоторые изменения, но оставался значимым жанром. Неоклассицизм в очередной раз за эпохи искусства обратил свое внимание на античность, теперь уже нарочито-подчеркивая величественность образов и героев. Вплоть до монументальности. От декоративных элементов отказались вовсе, на картине обычно господствует осевая симметрия. Примеры: Антон Менге, Фейербах Ансельм, Лоуренс Альма-Тадема.
Новому времени — новые тенденции и стили. Стиль живописи Модерн зародился еще в конце XIX века, но бурно расцвел и «рассыпался» на десятки стилей живописи в XX веке. Реализм больше не был главным — в конце концов, уже появились и довольно быстро распространялись фотоаппараты. И они были способны куда лучше передать «настоящую реальность», чем руки художников… по крайней мере, именно так тогда думали. Нужно искать новые способы выражения идей и мыслей, — решили художники. В рамках Модерна существует и существовало множество стилистик — от сюрреализма до ар-деко. Начинать смотреть можно с Климта и Врубеля.
Название этого стиля живописи восходит к французскому impressio — и переводится это слово примерно как с английского: впечатление. Французские мастера XIX века уже поняли, что нужно писать картины не о том, как «в реальности», а то самое «я художник, я так вижу». Впрочем, у мастеров стиля все было хорошо и с пониманием теории цвета, и с представлением о гармоничности.
Цель стиля — передать мимолетность, изменчивость природы. Преломление лучей, дождь или радуга в луже — все это становилось предметом живописи импрессионистов. Для стиля характерны мелкие мазки, акценты ярких оттенков, а также особое внимание на светотени и тех необычных эффектах, которые создаются благодаря взаимодействию красок в природе. Художники, на самом деле, работали со вполне реальными вещами — чаще всего, вообще на улице или с живой натурой. Но уже не старались запечатлеть каждую достоверную деталь, только свои «впечатления» от окружающей природы. Многие искусствоведы отдают импрессионизму пальму первенства, когда говорят о самом интересном и по-настоящему «художественном» стиле живописи в современную эпоху. Примеры: Мане и Моне (два разных художника!), Сезанн.
Этот стиль живописи чаще всего представляет собой рисунок углем/карандашом. Графика существовала много веков, начиная со средневековых гравюр.
От слова gris — серый. Стиль живописи использовал несколько оттенков, напоминая графику, а также скульптурный рельеф. Он был популярен в XVIII веке. Сами изображения прорисовались очень детально и в стиле классицизма.
Постепенно от классического импрессионизма, который был о природе, о восхищении миром, художники уходили в более философское понимание стиля. Отсюда постимпрессионизм — все еще яркий, вдохновленный «впечатлениями», но уже добавляется символизм, декоративные элементы и стилизации. Фокус в большей степени на более длительных состояниях чувств и эмоций. Ван Гог, Гоген, Тулуз-Лотрек — признанные мэтры постимпрессионизма, о которых слышал даже человек, далекий от живописи. В XX веке постимпрессионизм стал одним из самых влиятельных стилей.
Постепенно от реалистичных и условно-реалистичных жанров XX век переходил к более «необычным». Авангардное течение фовизма появилось как отражение идеи о том, что не надо пытаться закладывать в искусство слишком много смысла. Просто наслаждайтесь красотой и яркими красками! И действительно — картины в этом стиле живописи яркие, при этом находятся в плоскости и еще и снабжены контуром темного цвета. Как прообразы комиксов! Кстати, название этого стиля переводится как «дикий». А еще художники сказали, что больше не хотят выстраивать пространство — лучше пусть будет больше пятен и динамики. Оценить стиль живописи Фовизм можно по работам Андре Дерена, Жоржа Руо, Рауля Дюфи и других.
Почему-то экспрессионизм иногда путают с импрессионизмом, а ведь разница огромная! Импрессионизм — про красивую природу, тогда как авангардный стиль XX века — про раздирающие и зачастую невыносимые эмоции. Знаменитый «Крик» Эдварда Мунка скажет вам все об экспрессионизме “в одной картине”.
Художники не стеснялись в средствах выражения эмоций. Яркие или необычные цвета, эксперименты с техниками, искажение реальности — все это стало «можно» и даже «нужно». Вообще, это немецко-австрийский стиль — поэтому в экспрессионизме, в отличие от собрата-фовизма, больше драмы, а иногда и откровенной трагедии. Немецкое слово Angst — безотчетный экзистенциальный страх перед самим бытием, очень четко отражает это направление. Что неудивительно: Первая мировая война оставила отпечаток на мировой истории и живописи. А помимо Мунка стоит посмотреть на работы Эриха Хеккеля, Отто Дикса и других.
Еще один узнаваемый стиль живописи. Собственно, само название говорит за себя — подчеркнутая нереалистичность, парадоксальность. Никто уже не задумывается о реальности, зато чем дальше от «скучного обычного мира», тем лучше. Самый яркий представитель жанра, конечно же, «художник собственных снов» — Сальвадор Дали.
«Ура, можно все!» — снова сказали художники. Только теперь речь шла не о влиянии церкви, а о том, что необязательно тщательно вырисовывать светотени, геометрию и другие детали. Можно вдохновляться детскими каракулями!
На самом деле, не только каракулями. В Примитивизме и его наследнике Неопримитивизме легко обнаружить этно-черты, а также элементы «наивной живописи». Лубок, детские картинки, подчеркнутая якобы непрофессиональность — это характерные черты данного стиля живописи. Марк Шагал, Наталия Гончарова и Давид Бурлюк — самые заметные представители.
В стиле «Оптическое искусство» художники работали с пространственными эффектами слияния форм, резкими цветовыми переходами. Работы больше всего напоминают цветовые иллюзии за счет контрастов, повторов, пересечения различных геометрических фигур и линий.
Про «Черный квадрат» Казимира Малевича слышали все. Еще и возмущались: и вот этот, с позволения сказать, шедевр, стоит миллионы долларов? Да я за пять минут такой намалюю…
Но дело не в черном квадрате, а в том, что это была идея. Создание идеального мира — «творение из ничего», уход от личностного вложения художника в собственную картину и прочие странные идеи будоражили умы абстракционистов. Чаще всего использовались геометрические формы — символика материализма, функциональности. Холодные схемы, разум и логика вместо «души», которой вовсе даже не существует! Вот поэтому и квадрат. А черный — потому что это отсутствие всякого цвета. Помимо Малевича стоит посмотреть на работы Ольги Розановой или Йозефа Альберса.
В отличие от Абстракционизма, здесь все еще люди, природа… Но выглядит довольно своеобразно. Считается, что стиль придумали Пабло Пикассо и Поль Сезанн. «Натура — это геометрия», говорил старший Сезанн младшему Пикассо. Тот и понял… немного чересчур буквально.
Отказываться от «жизнеподобие», превращать натуру в абстракцию, но при этом сохранять узнаваемость человеческих фигур и объектов природы — все это стало идеей кубистов. Все объекты представлены трапециями, кубами, квадратами. Цвет второстепенен на холсте по отношению к форме. Помимо Пикассо можно оценить работы Хуана Гриса, Жоржа Брака.
Слово означает «чистый» — этот стиль живописи, который декларировал высшей ценностью эстетическую ясность, точность, подлинность в изображении. Основа — золотое сечение, а декоративность по мнению пуристов, не нужна вовсе. Примеры: Амеле Озенфан, Ле Корбюзье.
Направление французского искусства второй половины 1880 годов, ответ на Импрессионизм. Он спорил с Классицизмом и классическим Импрессионизмом. Если импрессионизм старался передать легкость быстрых впечатлений, быть «в моменте», то новый жанр предпочитал рассуждать о состояниях жизни и сущностных изменениях человеческой души, природы, окружающего мира. Примеры: Поль Синьяк, Поль Гоген.
Слово переводится с французского как «перегородка». Термин появился из прикладного искусства — смысл заключается в том, что полотно разделяют на цветовые плоскости, которые соответствуют предметам и фигурам. Каждая плоскость окружается широкой плавной линией контура — собственно, «перегородкой». Этот стиль живописи использует чистый контрастный цвет, работы в этом стиле получаются декоративными, с нарушением перспективы. Примеры: Эмиль Бернар, Луи Анкетен.
Название произошло от имени древнегреческого персонажа Орфея. Так этот стиль живописи назвал поэт Гийом Аполлинер, который подобным образом охарактеризовал творчество художника Робера Делоне. Этот стиль тесно связан с Кубизмом, Футуризмом и Экспрессионизмом. Орфизм отличают такие черты, как эстетизм, пластичность, ритмичность, а также изящество силуэтов и линий. Среди известных представителей орфизма: Робер Делоне, Соня Терк-Делоне, Франтишек Купка.
Продолжение идей экспрессионизма, развившееся в семидесятых годах прошлого века. Этот стиль живописи появился в Европе, отражая недовольство излишней концептуальностью и минимализмом. В Неоэкспрессионизме можно увидеть возврат к эмоциям, ярким тонам, живому изображению образов. Пример: Василий Рябченко.
Ответ на модернистские и абстрактные направления. Появился Неореализм в Америке XX века, и стал фактически ответом на разные попытки рисовать кубами, пятнами и другими странными способами. Неореализм призывал возвратиться к «нормальному» искусству.
Неопластицизм — одно из ранних направлений абстрактного искусства, возникшее к 1917 году благодаря нидерландскому художнику Питу Мондриану. Это направление стремилось к созданию «универсальной гармонии», которая выражалась через строго сбалансированные комбинации крупных прямоугольных форм. Формы четко разделялись черными перпендикулярными линиями и окрашивались в основные цвета спектра, дополненные белыми и серыми оттенками.
Этот стиль живописи появился в США в шестидесятых годах. Стиль подразумевает простоту форм, монохромность, самоограничение художника. Минималисты отказываются от идеи «выражения себя» художником, используя вместо этого нейтральные оттенки и самые простые геометрические формы. Часто можно увидеть «конвейерные» картины и другие произведения искусства. Примеры: Дональд Джадд, Карл Андре, Барбара Смит.
Переводится как «несчастный». Стиль живописи возник во Франции после 1940-х годов. Основное внимание уделяется фигуративности и сюжетно-драматическому содержанию в живописи и графике. Работы, выполненные в духе мизерабилизма, акцентируют внимание на теме трагической обреченности и ощущении «покинутости» человека в мире. Франсис Грюбер считается основоположником стиля.
Идея метареализма появилась в XX веке после открытий физиков о существовании нескольких «реальностей». Философско-художественное течение подразумевает множество пластов, которые связаны в единое целое и изменяются, замкнувшись друг на друге. Художники старались объединить все эти пласты — от формулы до ползущих насекомых.
Абстрактный стиль живописи, предполагающий использование исключительно цветовых спектров и эксперименты с цветопередачей. Направление зародилось в 1910 годах прошлого века. Примеры: Наталья Гончарова, Михаил Ларионов.
Конструктивизм — это направление в советском искусстве 1920-х годов, приверженцы которого ставили перед собой цель создания новой окружающей среды. Стиль стал отражением быстро меняющейся действительности. Конструктивисты стремились исследовать формообразующие возможности новой техники и конструкций, а также эстетический потенциал таких материалов, как металл, стекло и дерево. Художники подчеркивали простоту и утилитаризм новых форм. Примеры: Эль Лисицкий, Любовь Попова.
Одно из направлений неоимпрессионизма. Главная особенность этого стиля живописи заключается в технике: четкие мазки, которые, если присмотреться, состоят из мелких квадратов или точек. Этот прием позволяет смешивать цвета и оттенки уже в глазах самого зрителя, а не на самом полотне. То есть, направление по сути экспериментировало с особенностями человеческого восприятия форм и цветов. Примеры: Жорж Сер, Поль Синьяк, Анри Матисс.
Слово dada во французском языке означает «детский лепет», бессмысленную речь ребенка. Как стиль живописи, Дадаизм практиковал отказ от «сознательности», регрессию в детство. Он появился в Цюрихе, отчасти как наследие психоанализа, отчасти — как отражение военных ужасов, которые не хотели принимать художники, и был популярен с 1916 по 1922 год. «Сознательная деградация» до «детского лепета», по мнению художников, должна была вернуть чистоту и невинность. Примеры: Ханс Арц, Марсель Дюшан.
Это общее название всех стилей живописи, которые использовали геометрию вместо «нормального» изображения реальности. Сюда можно отнести многих — от Малевича до Пикассо. Стиль характерен для XX века, когда произошел отход от традиционного понимания живописи как более или менее точного отображения реальности.
Этот стиль живописи известен в основном благодаря Альфонсу Мухе. Однако можно посмотреть также работы Джеймса Уистлера.
«Новое искусство» — это изящный грациозный стиль, динамичный и вместе с тем снабженный элементами орнаментов. Для направления характерны изгибы, удлиненные элементы, яркие краски. Силуэт лежит в плоскости, а цвета яркие и контрастные. Формы словно бы перетекают одна в другую, и подчеркивается декоративность.
Муха Времена года
Путать с Ар-нуво не стоит. Этот стиль живописи совершенно не похож на легкий и воздушный — он монументальный, мощный, со строгой геометрией. Для ар-деко характерна роскошь — черный и золото, грандиозные формы. Он не слишком сильно проявил себя в живописи, больше повлияв на архитектуру. Зато потом «перекинулся» на более поздний постмодерн. Можно посмотреть работы Тамары де Лемпицки, чтобы понять ар-нуво в живописи.
Более поздний стиль живописи — шестидесятые-семидесятые годы. Философ стиля Умберто Эко, а художниками стали Джексон Поллок, Марк Ротко, Барнетт Ньюман. В стиле нет каких-либо канонов, смешиваются любые элементы более ранних стилей и переосмысляются на новый лад. Одним словом, в очередной раз провозгласили всеобщую свободу художника от… чего? Уже трудно сказать.
Этот революционный стиль был символом новаторства, отказа от традиций. Он приметен экспериментальными формами и смелыми решениями. Авангардизм — общее название, в рамках стиля работало множество художников. Кто-то делал ставку на геометрию, кто-то — на пятна или просто искаженные фигуры. Из известных художников, конечно, в первую очередь стоит отметить Казимира Малевича и Василия Кандинского.
Другое название этого вида живописи — «Гиперманьеризм», и он относится к постмодернистским стилям. Художники как будто переосмысляют прошлые эпохи и стилистику рисунка. Появился этот стиль живописи в семидесятых годах прошлого века в Италии, а потом широко распространилось уже во Франции и других странах. Примеры: Карло Мария Мариани, Омар Галлиани, Жан Гаруйя.
Этот стиль касался не только живописи. Писатели, художники, скульпторы — все старались в конце XIX изображать вещи «как есть», без прикрас и даже без образовательно-нравоучительного идейного компонента. Реальность такая, как она есть — вот и все, что готов был предложить натурализм. Никаких обобщений и никакого критического переосмысления, ведь настоящий мир — не наглядное пособие, а просто то, что он есть. Пример: Хулио де Соуза Пинту.
Другие названия — фотореализм, или суперреализм. Своеобразный стиль живописи и скульптуры, который стремится к максимально точному воспроизведению объектов, почти неотличимому от фотографии. Возник в США в середине XX века — художники демонстрировали максимальную точность и детализацию, в результате чего картину невозможно отличить даже от реального изображения. Он перекочевал во многие другие стили, даже в стрит-арт.
Напишите админу
Напишите админу
Напишите админу
Напишите админу
Напишите админу